Liguilla Octubre de 2021
Ya estamos de vuelta con nuestras liguillas, ya tenemos los resultados de la primera con el tema «MAQUILLAJE», muy colorida y muy creativa. Muchas felicidades a los ganadores y gracias a todos por participar. 
Liguilla Mayo de 2021
Hora dorada
Presentación
El pasado domingo 17 de Abril de 2021, Afelx realizó, como viene siendo de manera habitual y telemática, la ya tercera edición de foto-crítica; donde nosotros mismos analizamos de una manera tranquila y sosegada, las
distintas imágenes presentadas.
Los participantes fueron: Francisco Martínez, Ruth D. Serrano, Fran Igual, Juani López, y en el último minuto, Verónica Macià. Además, Pep Aldeguer hizo de maestro de ceremonias, presentando las fotografías por estricto orden de recibimiento.
La primera imagen presentada fue esta:
Según el sentir mayoritario de los participantes, lo que más resalta es el formato cuadrado (siendo un paisaje, se recomienda otro formato). Por oto lado, las 3 aves que aparecen en un plano medio parecen ser un trabajo posterior de edición. Además, los colores en un tono pastel muy bien conseguido. El compañero Pep ha comentado que, según su criterio, muy probablemente la fotografía eran un conjunto de varias imágenes ya que no es posible realizar una larga exposición (según se puede apreciar el agua) mientras que la sierra del fondo, el sol y los pájaros están totalmente estáticos.
Según el autor, que fue Francisco Martínez, la fotografía está localizada en el Parque Natural de las Salinas de Santa Pola y está realizada en una sola toma. Todo el resto es trabajo de edición, a base de desenfoque de movimiento del agua por capas. Con respecto a las aves, no es un trabajo de edición, sino que en realidad forman parte de la foto original. Por último, en cuanto al formato de la foto, comenta que es el que usa la aplicación de móvil de Instagram.
La siguiente imagen presentada fue esta:
Lo que más llama la atención de esta fotografía es la cantidad enorme de líneas verticales. Además, hay 2 líneas verticales (el árbol que está a la altura de la persona y la señal de tráfico) que están inclinadas y da la sensación de que está caída. No obstante, es probable que, si se hubieran enderezado dichas lineas, las líneas horizontales que representa el larguero de la portería y el voladizo del techo que se ve al fondo se hubieran perdido su rectitud.
El autor, Fran Igual, ha comentado que él no se había percatado de la gran cantidad de líneas (aparte de las 2 principales) y que lo que le había llamado la atención de la foto era el contraste entre lo que representa la señal y la presencia del peatón. Aparte de eso, no le termina de convencer que el pie derecho está desenfocado; cosa que al resto de los participantes no les desagrada ya que da sensación de movimiento.
En las siguientes imágenes se trataba de dilucidar cuál gustaba más, en color o en B/N:
Por regla general, todos los compañeros han elegido la fotografía en color. No obstante, el compañero Pep ha comentado que falta un poco de contraste entre el cielo y las montañas nevadas, el cual, en la fotografía en color se ha hecho un poco más evidente ya que la montaña donde no hay nieve se ve el color de la montaña. Por lo demás, el punto de vista bajo a la altura de las vías del tren ha gustado mucho. Y es que la Estación de Canfranc impresiona por la magnitud del edificio y es un placer para cualquier aficionado a la fotografía pasearse por todos los rincones.
Por regla general, todos los compañeros han elegido la fotografía en color. No obstante, el compañero Pep ha comentado que falta un poco de contraste entre el cielo y las montañas nevadas, el cual, en la fotografía en color se ha hecho un poco más evidente ya que la montaña donde no hay nieve se ve el color de la montaña. Por lo demás, el punto de vista bajo a la altura de las vías del tren ha gustado mucho. Y es que la Estación de Canfranc impresiona por la magnitud del edificio y es un placer para cualquier aficionado a la fotografía pasearse por todos los rincones.
La siguiente y última fotografía presentada fue esta:
Muchos de los compañeros han reconocido a la modelo, Florina Stan, de la Agencia de modelos CIAO Models. La foto se realizó en el año 2018, cuando Afelx contrató a un número determinado de modelos para hacer un trabajo de dirección de retratos con los compañeros de la Asociación por las calles de Elche.
Dicho esto, el sentir mayoritario es que falta un poco más de luz. En cuanto al encuadre (donde se ha recortado las manos), se realizó una prueba in-situ en la que se recortó todavía un poco más la imagen para comprobar si el reencuadre podía quedar algo mejor. El hecho de que haya el mismo espacio por la espalda que por el frente contraponen la regla de la composición que dice que debe haber más aire o espacio allá donde se dirige la mirada.
El autor ha señalado qué, según su criterio, hubiera quedado mejor si en el último instante hubiera llamado a la modelo para que mirara directamente a la lente de la cámara. A esto, los compañeros respondieron que esa hubiera sido otra imagen totalmente distinta. Los asistentes preguntaron al autor de la fotografía, que fue Pep Aldeguer, si de todas las fotografías que hizo ese día fue la que más le gustó. A lo que respondió que sí, y que para él fue su primera experiencia en la modalidad de retrato y/o dirección de modelos; siendo para él algo totalmente nuevo, un reto que le obligó a salir de la zona de confort que todos tenemos.
Después de más de una hora de charla, se dio por concluida esta nueva edición esperando que en próximas fechas, más compañeros se animen a participar.
Liguilla Abril de 2021
Urbex, casas abandonadas
Liguilla Marzo de 2021
B&N Fotografía Urbana
Presentación
El pasado domingo 28 de febrero, Afelx realizó la segunda edición de fotocrítica en formato on-line. El evento consiste en el envío, por parte de los socios, de aquellas imágenes que deseen sean valoradas por los compañeros.
Los participantes fueron Francisco Martínez, Ruth D. Serrano, Fran Igual, Juani López y Pep Aldeguer. Este último, como secretario de AFELX y maestro de ceremonias del evento, presenta las imágenes (inicialmente anónimas) por riguroso orden de llegada.
Primera imagen a estudio:
El sentir mayoritario ha sido un poco extraño, debido a que elementos estáticos estén en movimiento, pudiendo dar sensación de mareo. En un principio, parece un exceso de procesado de la imagen. Un compañero apunta a la posibilidad de que sea una composición de 2 imágenes.
El autor de la imagen, Francisco Martínez, expone que este tipo de procesado corresponde al llamado «Efecto Adamski» (que toma el nombre del creador de la técnica). Tal y como lo define su creador, es un efecto abstracto de “foto impresionismo”. Con él no vamos a conseguir un resultado realista, más bien todo lo contrario: una fotografía abstracta, creativa e incluso surrealista.
Francisco ha utilizado, efectivamente, 2 fotografías: una foto de los protagonistas y una de la Explanada de Alicante. Esta última, con varias tomas de larga exposición, para eliminar los peatones del paseo. Para ello, utilizó un trípode, un filtro polarizador, la cámara en modo-bulb, y el método de ensayo y error. El efecto de movimiento lo realizó posteriormente en Photoshop: de forma vertical para los árboles y horizontal en el suelo.
El efecto Adamski puede aplicarse en cualquier fotografía. Sin embargo, es cierto que hay fotografías en las que funciona mejor que en otras.
Entre estos factores que hacen que el Efecto Adamski quede más atractivo, encontramos:
• Fotografías con un punto de fuga muy visible.
• Fotografías urbanas de calles estrechas o con elementos arquitectónicos con líneas muy marcadas.
• Fotografías en las que las líneas tengan un gran protagonismo.
• Fotografías de la playa , sobre todo cuando no hay más elementos que el cielo, el mar y (ocasionalmente) la costa.
La segunda fotografía es equivalente a la primera:
El encuadre de la primera imagen resulta más atractivo a los asistentes, ya que en esta segunda, las personas de la imagen (objeto principal del centro de atención) se encuentran demasiado cerca del borde inferior; tanto es así que se corta parte de los pies. Las reglas básicas de composición dicen que cortar en ese punto no es atractivo al ojo. Y aunque las reglas están para romperlas, en este caso la composición no acompaña. El aire en la parte superior es excesivo, las personas empequeñecen ante tanto espacio entre sus cabezas y la parte superior de la fotografía.
La tercera imagen fue la siguiente:
Esta fotografía, tomada en la “hora azul” (en referencia al color del cielo), y a siguiente pertenecen a Juani López y fueron tomadas en una de las calles adyacentes a Picadilly Circus, en Londres.
Todos los asistentes coincidieron en la buena composición de la imagen: la “S” de la calle marca perfectamente el camino que debe seguir la visión de la fotografía. Igualmente lo hace la curva que forman los edificios enmarcando el cielo. El bonito azul del cielo a última hora de la tarde cuadra con la iluminación de las ventanas, escaparates y coches.
La mayor pega reside en la inclinación de la farola y del edificio de la parte izquierda debido al uso de una óptica angular. Pero es algo fácilmente corregible con los programas habituales de retoque.
El peatón en movimiento, de la parte inferior izquierda, resulta ser una figura compositiva problemática. A algunos compañeros les gusta, pues genera movimiento en la imagen; mientras que otros prefieren prescindir de la misma (aunque la aceptarían si se encontrara en el tercio más cercano).
En la cuarta imagen visualizada, donde ya no está el peatón, se aprecia una composición más limpia. Además, la farola de la parte derecha está completamente visible. Lo que favorece la composición, ya de por sí atractiva. Igual que sucedía en la tercera imagen, la parte izquierda es mejorable, donde vuelve a aparecer una deformación de lente.
La penúltima imagen, cuyo autor es Fran Igual, es la siguiente:
Lo más reseñable de la imagen para algunos compañeros es la distracción que produce el cable de la esquina superior derecha, que complica la composición. Al igual que las placas del callejero, cortadas por en la esquina superior izquierda. Se resaltó la facilidad de su eliminación en post-producción.
El autor explicó el origen de la imagen: fue tomada al inicio de su afición en el Rally Otoño Fotográfico de Alicante, hace varios años. La presentó al concurso, donde quedó entre los 25 accésits. En la ponencia donde se presentaron las imágenes finalistas, un miembro del jurado reseñó que le gustaba que parecía que el hombre mayor estaba colgando del pasamanos.
A vista del autor, lo que transmite la imagen es que el hombre mayor va cuesta arriba con peso; mientras que el segundo hombre es su opuesto, más joven, ligero de peso y camina a favor de la pendiente: un símil de la vida.
La última imagen a estudio, pero no por ello menos importante, es la siguiente:
Llamó la atención cómo se ha realizado la fotografía: flores suspendidas perfectamente enfocadas, lo que es muy complicado realizar. El autor, Pep Aldeguer, explicó cómo realizó la fotografía. En un primer momento, intentó congelar el movimiento de las flores al dejarlas caer por gravedad, subiendo iso y subiendo velocidad de obturación. Al no alcanzar el resultado deseado, utilizó flash, pero igualmente no fue satisfactorio el resultado. La solución final fue sujetar las flores con hilo blanco, dejarlas suspendidas y estáticas, para posteriormente eliminar el hilo en post-producción.
Se ha preguntado al autor que cuál era el centro de atención, ya que la imagen presenta múltiples objetos, lo que no ayuda a centrar la mirada. Además, las flores lilas contrastan con los demás objetos y se comen el protagonismo en la escena. Para el autor, el foco de atención deben ser Cupido y los anillos, ya que la temática de la imagen era San Valentín. Por ello, se le recomienda la eliminación de elementos superfluos que resten importancia al personaje central y los anillos. Con recorte y reencuadre pueden apreciarse mejor. En la nueva imagen, se puede ver el bello trabajo del cristal iluminado perfectamente. Mención especial para el degradado del fondo, cuyos colores encajan perfectamente con las flores de almendro y los anillos.
He aquí cómo quedaría con el recorte propuesto:
Después de una hora y media de charla amigable, dimos por terminada esta segunda sesión de foto-crítica.
Presentación
Hoy sábado 20 de febrero del 2021, como habíamos propuesto en asamblea anterior, en Afelx dedicamos la mañana a realizar un acercamiento a algunos de nuestros fotógrafos de referencia, que nos sirven de inspiración y/o cuyo trabajo admiramos.
Los participantes, escasos pero de valiosa participación, han sido: Fran Igual, Ruth D. Serrano, Paco Alcalá, Francisco Martínez, Juani Benítez, Jordi Sanchís y Pep Aldeguer, que actúa también como Secretario.
Pep inicia la presentación con un clásico de la fotografía de paisajes, como es Ansel Adams. Fotógrafo estadounidense, nacido a principios del S. XX, que fue el creador del sistema de zonas: una técnica de exposición y revelado fotográfico, cuyas zonas proporcionan al fotógrafo un método sistemático de la perfecta exposición. En este sistema, el 0 es el Negro absoluto y el X, el blanco puro. En cierta manera, el sistema de zonas es lo mismo que la gestión de color al fotógrafo digital.
Ansel Adams utilizaba en los primeros momentos de su vida una Kodak-Eastman Brownie box, y más tarde; cámaras de gran formato como la Kodak Speed Graphic en formato 2 ¼ por 4 ¼ inch.
El formato 8×10 (8 pulgadas por 10 pulgadas) era definitivamente el favorito de Adams:
Una cámara de 8 x 10 tiene un factor de recorte de aproximadamente 0,1, lo que proporciona a un objetivo de 300 mm el mismo campo de visión que un objetivo de 30 mm en una cámara de fotograma completo.
Los compañeros participantes en ese momento han coincidido en el trabajo tan metódico de exposición que se tenía en esa época del S.XX, y en la cantidad de papel que se utilizaba para que una fotografía quedara bien expuesta.
He aquí algunos de sus trabajos:
Las fuentes de información han sido las siguientes:
MAESTROS DE LA FOTOGRAFÍA, periódico Público
https://fotogasteiz.com/blog/fotografos/ansel-adams-vida-obra-biografia/
https://estudiodefotografia.info/consejos/que-tipo-de-camara-uso-ansel-adams/
La siguiente ponente ha sido nuestra compañera Ruth D. Serrano, quien nos ha presentado a su fuente de inspiración en la fotografía de producto: Alex Koloskov. De origen Ucraniano y residente en los EE.UU., cuya formación como ingeniero mecánico le proporciona conocimientos técnicos del comportamiento de la luz. Aunque no tiene formación fotográfica específica y su aprendizaje ha sido autodidacta. Como él mismo reconoce, su mayor valor reside en tener un pensamiento “out of the box”.
Lo que era un hobby pasó a ser un proyecto comercial al formar con su mujer (diseñadora gráfica) el estudio AKEL. Cuando este proyecto despegó, abandonó su aburrido trabajo de oficinista para dedicarse 100% a la fotografía. Especializándose en fotografía de joyería y de líquidos a alta velocidad. Puedes ver el video del making off del Doodle que realizó para Google:
https://www.youtube.com/watch?v=E8rMgT_EFiw&ab_channel=AKELstudio
Ya en aquel entonces había comenzado con tutoriales de fotografía en internet. Semilla de lo que hoy en día es una de las escuelas fotográficas de formación online más punteras, PHOTIGY: https://www.photigy.com/
Tanto en la página oficial como en el canal de Photigy en Youtube, se pueden encontrar numerosos tutoriales de fotografía de producto. Todos ellos en inglés, pero muy visuales y fáciles de seguir, además de muy divertidos.
Una vez presentado el fotógrafo, hemos visionado alguno de sus trabajos e intentado analizar la iluminación de las mismas y cómo podrían haberse realizado.
He aquí las imágenes:
El siguiente compañero en presentar a su fotógrafo ha sido Fran Igual, quien nos ha mostrado a Chema Madoz. Fotógrafo contemporáneo español, en un principio, se decantó por la fotografía conceptual con personas y, después de un corto espacio de tiempo, se centró en la fotografía conceptual con artículos sacados de su contexto. Conocido como “fotógrafo metafórico”, da un punto de vista creativo a los objetos cotidianos. Muchos de los compañeros/as asistentes han afirmado que no conocían su existencia, hasta que el año pasado en una Liguilla mensual se propuso como tema de inspiración.
El fotógrafo madrileño es mundialmente reconocido y ha sido galardonado con los siguientes premios:
• 1991:Premio Kodak
• 2000: Premio Nacional de Fotografía de España.
• 2000: Premio Higasikawa Overseas Photographer del Higasikawa PhotoFestival (Japón)
• 2000: Premio PhotoEspaña.
• 2014: Premio de Fotografía Piedad Isla.
He aquí algunas muestras de su trabajo:
Mayor información sobre su biografía y/o trabajos:
https://www.youtube.com/watch?v=IOTX8_vtZuc
http://www.chemamadoz.com/
https://fotogasteiz.com/blog/fotografos/chema-madoz-vida-obrabiografia/
Y por último, el compañero Pep ha vuelto a presentar a otro fotógrafo, un gran desconocido para la mayoría (incluido él mismo). En este caso, se trata de W. Eugene Smith, cuyo campo temático es el SER HUMANO en su medio, tanto en el laboral como en el bélico; o denunciando los vertidos de una empresa y su impacto en una población de Japón. Nos encontramos ante lo que se ha denominado fotografía sociológica, o ensayo fotográfico.
Pep ha comentado que él no puede desprenderse de su compromiso social, pero que hoy en día sería incapaz él de tomar dichas fotografías. Lo considera una manera de entrometerse en su dignidad, al mismo tiempo que es imposible no ser afectado por la dureza de sus imágenes.
El fotógrafo estadounidense buscaba la imagen perfecta; no objetiva, pero sí honesta. Esta honestidad, como una prolongación de su propio ser, le condujo al imposible de la objetividad plena.
Nacido a finales de la primera década del S.XX, empezó a la temprana edad de 15 años como fotógrafo de 2 periódicos locales. En 1936, ingresó a la Universidad de Notre Dame en Wichita, donde se creó una beca fotográfica especial para él. Fotógrafo de guerra, fue herido por un obús japonés durante la II.G.M. Una vez terminada la guerra, se desplazó hasta España, y también estuvo vinculado a la agencia Magnum. Pero sería su último trabajo en la población japonesa de Minimata (donde se descubrió que la causa de la enfermedad de Minamata era el envenenamiento con metil mercurio asociado al consumo diario de grandes cantidades de pescado y marisco contaminado) donde conseguiría un reconocimiento a todo su trabajo. Por cierto, próximamente se estrenará en los cines una película titulada Minimata, basada en la historia desarrollada por W.Eugene Smith, protagonizada por Jonhy Deep.
He aquí unos ejemplos a su trabajo:
La fuente de información:
Maestros de la fotografía Diario Público
https://fotogasteiz.com/blog/fotografos/w-eugene-smith-vida-obra-biografia/
Por otro lado, al final de la sesión hemos convenido en que todos hemos elegido fotógrafos masculinos, evidenciando la brecha de género. Ante ello, la compañera Ruth D. Serrano ha presentado a Annie Leivovitz y su icónica fotografía de la revista Rolling Stone, donde aparecen John Lennon y Yoko Ono:
En próximas fechas, volveremos a repetir esta experiencia, en la que poder conocer nuevos fotógrafos y aprender de ellos. Así que os animamos a todos los socios y socias a participar.
Liguilla especial de San Valentín 2021
Liguilla Febrero de 2021
Cubiertos
Liguilla Enero de 2021
Pies Desnudos
